Dans le cadre du Printemps de la Palestine
EXPOSITION PEINTURES : Shadi Al Zaqzouq

L'art subversif pour interpeller la société et le politique.

Exposition exceptionnelle : Le peintre palestinien Shadi Al Zaqzouz accepte l'invitation du Comité de jumelage Douarnenez-Rashidiyé pour le Printemps de la Palestine, et sera présent le 15 avril lors du vernissage de l'exposition de ses peintures, co-organisée par Le Cri suspendu.

EXPOSITION DU 15 au 29 avril 2017
vernissage le 15 avril à 18h30
au 3, rue Louis Pasteur, espaces partagés, Douarnenez

Horaires d'ouverture

Les lundi (dont celui de Pâques), jeudi et vendredi, ouvert l'après-midi 14h-19h.

Les mardi et mercredi, le matin 9h-12h, l'après-midi 14h-19h.

Les samedi 15h-19h. Fermé le dimanche.

CO-ORGANISE PAR LE COMITE DE JUMELAGE DOUARNENEZ - RASHIDIYE

ET LE CRI SUSPENDU

Notre temps n'est plus le même temps que celui qu'il fut.

La nature de notre monde n'est plus la même que ce qu'elle fut.

Notre temps est plus rapide qu'il fut, et nous vivons plus longtemps que nous vivions.

Cette accélération du temps, depuis l'antiquité de notre civilisation jusqu'à l'ère de l'industrialisation est arrivée à son paroxysme.

Notre socle environnemental se met en mouvement.

Alors, avec la marchandisation de nos fleuves et de nos océans, de nos plantes, de nos arbres, de nos roches et de nos sables, de notre air à nous les animaux, les humains et les dieux, nous cessons de continuer à vivre plus longtemps que nous vivions.

Cette accélération du temps se fige. Immobilisme politique contre hypertrading.

Avec la confiscation de la nature et du bien commun comme force de pensée,

Nous vivons moins longtemps que nous vivions.

Cette accélération tout comme la nature de notre monde n'a pas résisté à la fabrique de l'inculture.

Jean-Luc Aimé

« Du point de vue de la santé mentale, la solution la plus satisfaisante pour l'avenir des utilisations pacifiques de l'énergie atomique serait de voir monter une nouvelle génération qui aurait appris à s' accommoder de l'ignorance et de l'incertitude. »

Groupe d'étude des questions de santé mentale que pose l'utilisation de l'énergie atomique, OMS,1958.

« Nous entrons tous, que cela nous fasse plaisir ou non du point de vue de l'esprit, dans un monde où nous comprenons de plus en plus difficilement ce qui se passe dans les grandes installations industrielles. Et bien il, il faudra l'accepter... »

M. Robin, directeur à EDF. Cité par Sud-Ouest Nature, mars 1973.

 « Pour dire la vérité, les radiations n'affectent pas les gens qui sourient, mais ceux qui sont soucieux. »

Professeur Yamashita, 2011, conseiller à la gestion des risques de santé dus aux radiations dans la préfecture de Fukushima.http://fukushima.overblog.fr

 Plus de 58 ans nous séparent de la première de ces citations, à peine 5 ans de la dernière.

Cela nous donne une idée du chemin parcouru dans la fabrique de l'ignorance ...

Cette soirée s’inscrit et est notre façon de répondre à
l'APPEL A INSURRECTION ARTISTIQUE SCIENTIFIQUE ET POPULAIRE CONTRE LES DANGERS DU NUCLÉAIRE lancé par la compagnie Brut de Béton
pendant 7 semaines, entre le 11 mars (5 ans après Fukushima) > et le 26 avril (30 ans après Tchernobyl)

Mi alma
Fados de Lisboa
Chanter le fatum, la saudade, le destin. Voilà à quoi s'attache le fadista.
Dans une forme très épurée, le chanteur de fado et ses musiciens convoquent des éléments essentiels de la condition humaine : l'amour inaccompli, la tristesse, la mélancolie, la passion, la mort ; mais aussi l'exil, tel celui des marins portugais qui entonnaient ce chant loin de leurs ports d'attache, bien avant que le fado ne devienne un genre musical emblématique des quartiers de Lisbonne.
Après leur album consacré au poète chilien Pablo Neruda et la création musicale pour la tragédie Yerma du poète andalou Federico Garcia Lorca, le duo Mi alma (Sarah Floch chant, Yann Simon guitare) concrétise son amour pour la musique populaire lisboète dans la création de ce tour de chant dédié au fado. Ensemble, ils explorent des morceaux choisis d'artistes incontournables, passés et contemporains du fado (Amalia Rodrigues, Misia, Aldina Duarte, Cristina Branco, Bevinda).

Vernissage vendredi 5 février 18h30

 OUVERT DU 5 FÉVRIER AU 19 MARS

sur rendez-vous / le vendredi de 16h à 19h,

le samedi de 11h  à 13h et de 15h à 17h

Cette exposition-installation a été conçue par Tita Guéry, plasticienne, graveuse et scénographe vivant à Brest.

En nous proposant ses gravures de poulpes à bois perdu de grand format et ses gravures à la pointe sèche, Tita Guéry a une idée derrière la tête ;

cet octopus mystérieux, intelligent et sensuel, symbolise pour l’artiste nos instincts, nos questionnements. C'est sur le chemin du genre et du transgenre qu'elle nous emmène, en une quête de sens sur notre corps, notre sexualité, nos blessures et bonheurs.

Pour cette exposition, Tita Guéry a réalisé des entretiens auprès des nombreuses personnes de tous genres, les interrogeant sur l’amour, la norme, leur relation à leur corps ; ces entretiens sont diffusés par casque, apportant un éclairage sensible, joyeux ou triste, mais toujours touchant à cette exposition d’un Genre Poulpes.

voir Le Blog

INFORMATIONS PRATIQUES :

le samedi 12 décembre : ouverture de 12h à 19h
16h : visite-rencontre avec l'artiste
du mercredi 16 au vendredi 18 décembre : ouverture de 16h à 19h et le samedi 19 de 11h à 16h

Maryam Samaan est une artiste plasticienne.

Elle est aussi une femme syrienne née à Damas d'une mère syrienne et d'un père palestinien.

Maryam a étudié au centre des Beaux Arts Adham Ismail et au Conservatoire National Supérieur d'Art Dramatique de Damas. elle poursuit sa formation en France, à l'école des Beaux-Arts de Rennes et à la Sorbonne, où elle effectue une recherche dans le cadre d'un master 2 Etudes Théâtrales.

Par la répétition de l'objet artistique,

Maryam Samaan nous entraine dans le ressenti d'un quotidien en guerre,
dans les émotions d'une expérience de vie.

Le Cri suspendu est particulièrement heureux de présenter ces travaux de Maryam Samaan.

La répétition de ses images photographiques dans Non, ou des mini-tableaux technique mixte dans 101 balles, vient entrouvrir un espace sur une réalité qui nous devient plus réelle, interstice par lequel surgit une émotion liée à la simplicité du questionnement de l'image et à sa répétition. Par la répétition de l'objet artistique, Maryam Samaan nous entraine dans le ressenti d'un quotidien en guerre, dans les émotions d'une expérience de vie ; la répétition devient un système artistique, une expression sémiotique qui en vient à changer la réalité elle-même.

Son travail d'artiste syrienne résonne avec notre conviction que l'art est politique, que le questionnement est artistique et politique, que la répétition du questionnement est artistique, politique et processus de signification.

Jean-Luc Aimé

L’exposition présente deux séries d’œuvres :

La Répétition est souvent considérée comme négative, dépourvue d’imagination, formelle et pauvre. On voit pourtant mal comment une construction s’opérerait sans la répétition de procédures structurantes, comment une société se construirait sans la répétition de rites collectifs, garants justement de la « socialisation » des uns et des autres.

Je viens d’un pays où la répétition du « oui » au despote nous a enfoncés, tous et chacun, dans l’humiliation et la soumission. Alors, vient le jour où trop fut trop : après tant de « oui » répétés sans âme, le « Non » s’est levé comme une arme de résistance. Ce « Non » n’est pas refus stérile, il est affirmation de la liberté de choix, il est un acte fondateur.

J’ai choisi de me fondre dans un collectif anonyme, constitué sur Facebook en février 2012, pour brandir ce « non » face à la dictature. Le bras cassé, plâtré et bandé, qui dit ce La/Non en arabe est inspiré du caricaturiste palestinien Naji al-Ali, assassiné en 1987 parce qu’il avait justement dit « non » à un potentat arabe. La répétition de ce Non dans une série de photographies digne d’un « mur d’images » souligne que l’addition des refus individuels alimente la mobilisation collective. 

Ce travail a fait l’objet d’une publication partielle dans « Syrie, l’art en armes » (Le Monde/La Martinière, Paris, 2013). 

Je note que « Ceux qui ont dit non » est le titre d’une collection jeunesse de la prestigieuse maison Actes Sud, destinée à faire connaître des références du combat pour « la démocratie et l’humanisme » chez les lecteurs adolescents.

« Dans mon pays, il ne reste que la liberté de mourir.

Dans mon pays, la vie est secrète et la mort publique.

Dans mon pays, il y a moi qui dis Non ». 

101 balles, 2012.

Technique mixte.

La destruction suit une courbe descendante, que chaque lâcheté, petite ou grande, directe ou indirecte, ne fait qu’accentuer. On glisse, on glisse, toujours plus bas, toujours plus profond, et c’est cette pente vers l’abaissement individuel et collectif qui constitue pour moi l’essence de la destruction.

Le 15 mars 2011 est la date où le peuple syrien a lancé son soulèvement contre le dictateur. Cette date est devenue inoubliable pour chaque Syrienne et chaque Syrien, mais elle devrait l’être pour toute l’humanité, car, depuis lors, la Syrie saigne et souffre. Le régime en place préfère en effet détruire plutôt que de concéder la moindre parcelle de son pouvoir, et cette violence déchaînée alimente en retour les forces de destruction au sein même de l’opposition.

Mes « 101 Balles » auraient pu être « Mille et une », comme les Nuits des fables orientales. Ce un ajouté à la centaine évoque en arabe la notion d’éternel recommencement, comme si la chute de la destruction, comme si les tirs des assassins ne pouvaient connaître de fin visible.

J’ai ressenti un jour que la vie d’un être humain en Syrie ne vaut qu’une balle dans sa tête, son cœur ou une autre partie de son corps. C’est ce jour là que j’ai ressenti comme jamais auparavant la force de la mort, la force de la perte. Dans mes 101 mini-tableaux de dix centimètres sur dix, j’ai simulé les effets des balles tirées contre des toiles rendues « vivantes » et « saignantes », le tout par un mélange de charbon, de feu et de bougie rouge sang.

Cette bougie, coulée et brûlée, creusait en effet l’équivalent d’un trou de balle, voire de plusieurs trous, dans les toiles. Cette création donne l’apparence de la vie,  car n’importe quelle source de chaleur fera, si elle s’en approche, fondre les bougies à nouveau, modifiant la toile de chacun des 101 tableaux, et donc la création elle-même.

Petit à petit, en utilisant l’art graphique, je suis partie d’un trou apparemment banal pour atteindre le pire d’état de violence que je pouvais alors concevoir. J’ai détruit complètement la forme, je l’ai annihilée, j’en suis venu à la massacrer, à la torturer en utilisant des clous, des agrafes, ou d’autres éléments.

A titre personnel, il m’était pénible de vivre dans 20 mètres carrés, au milieu de l’odeur de charbon et de figures sanguinaires, pendant les quelque six mois qu’a duré cette création. Ce type d’expérience consume la santé comme l’esprit, mais il contribue aussi à détruire une image préconçue, en contraignant à chaque fois à repartir de zéro. Chacun des carrés blancs sur lequel je me mettais à travailler était l’impact d’une violence encore plus intense que celle infligée au précédent. L’imagination était ainsi mise au défi de pousser à l’extrême cette violence virtuelle.

La destruction dans laquelle s’enfonce mon pays, la Syrie, semble ne connaître aucune trêve. On en vient à croire que chaque station de cette descente aux enfers est la plus atroce, avant qu’elle ne cède sous le poids d’une nouvelle poussée vers le bas. Et pourtant, de toute cette destruction naîtront le potentiel et l’espoir de la construction.

Maryam . 

Vous avez été nombreux à venir visiter l'exposition de Paul Leroux qui se terminera fin septembre.

Nous vous convions à la dernière soirée avant le décrochage : 

Mercredi 30 septembre

à partir de 18h, visite en présence du peintre

à partir de 19h performance musicale par Jean-Luc Aimé

A partir des enregistrements retravaillés d'un entretien entre les deux artistes, dans lequel Paul Leroux explique comment sa peinture explore une montée vers la conscience, parle de ses images intérieures, mais aussi de sa fascination devant l'agression du temps ou de l'environnement sur la matière, Jean-Luc Aimé proposera en direct un portrait sonore du peintre sous forme d'une performance musicale instrumentale et vocale.

Écouter un extrait du portrait sonore de André Léocat par Jean-Luc Aimé ici

entrée libre > adhérez au Cri suspendu

Nous avons choisi pour notre première exposition de tracer et questionner l’histoire des portraits peints de Paul Leroux.

J’ai rencontré Paul Leroux il y a quelques années, à l’occasion d’une visite qu’il rendait à un ami commun, j’ai vu un portrait peint par Paul et ai été sidéré à la fois par la violence du trait et l’humanité qui surgissaient de la toile. Notre ami commun a organisé un rendez-vous au cours duquel j’ai pu rencontrer l’homme.

 Il nous parle de son travail de façon factuelle, pourtant sa peinture explore une montée vers la conscience, celle de ses images intérieures, mais aussi sa fascination devant l’agression du temps ou de l’environnement sur la matière, sur l’image.

  « Il y a mes images intérieures, que je tente de faire monter, et puis il y a les autres. Elles m’attirent quand elles sont abîmées ou presque effacées. J’aime les images qui ont fait de la résistance et qui ont réussi à se maintenir dans l’adversité. Le résultat est une surface qui a été rongée par le temps et les agressions de toutes sortes. Les portraits du Fayoum en sont un bon exemple, tout comme les gisants de Santa Maria del Popolo à Rome.»

  Ce que veut bien nous en dire Paul Leroux, est résumé dans ces paroles, mais sa façon de peindre ses images intérieures, d’occuper les regards de ses modèles, nous amène finalement à lire à l’intérieur de chaque personnage l’inquiétude, le désarroi, face à ses questionnements existentiels. C’est à nous de découvrir en chaque regard  que nous adresse sa peinture, cette interrogation de l’artiste sur sa place, sa légitimité, celle de son environnement. Par ses portraits, ses choix de modèles, (humains, animaux…) il se présente face à la mort, à la décrépitude, la violence faite aux corps, et révèle ce qui n’est pas montré du monde, autour de ses visages sans corps, sans décor, sans fond, nous invitant à imaginer l’état du monde dans lequel ils peuvent vivre.

 La peinture de Paul Leroux nous apprend beaucoup de ses interrogations sur la société, le monde, et de la place de l’homme dans ce monde, en nous mettant face à un portrait qui ne montre qu’un visage qui parle autant de lui que de nous, tout en laissant notre imaginaire se débrouiller avec le reste.

« À ce stade, je n’ai même plus envie de parler de portrait. Je ne suis plus dans l’illustration d’une réalité classique, tangible. Il y a quelque chose de plus  … En ce moment, la monochromie m’est imposée. Elle semble être la seule façon de montrer quelque chose sans trop se disperser… Avec la couleur, j’ai tendance à me perdre. C’est comme si je devais reprendre avant l’arrivée de la couleur. »

 Pour rendre perceptible dans l’œuvre de Paul Leroux ce quelque chose de plus, nous avons choisi de présenter trois périodes consécutives, sur 20 ans, permettant de saisir de visu (en quelques toiles) l’évolution du trait et du portrait jusqu’à l’absolutisme du rouge imposé aujourd’hui.

Jean-Luc Aimé

Paul Leroux vit et travaille à Noisiel, près de Paris. Il sera présent lors du vernissage de l’exposition vendredi 24 juillet à partir de 18h, mais aussi la semaine suivante sur rendez-vous.

www.paulleroux.com